Des artistes « entrelacés » tissent la beauté, la mémoire et l'histoire dans l'art du textile et de la fibre

Jan 06, 2024

Cette histoire a été publiée à l’origine par ArtsATL.

« Entwined: A Group Exhibition of Textile and Fiber Art », au Marietta Cobb Museum of Art jusqu’au 4 juin, est la dernière des présentations de la conservatrice du musée Madeline Beck de perspectives non conventionnelles et esthétiquement convaincantes sur les genres traditionnels – qui semblent se développer comme son style de signature. Comme dans les expositions précédentes, elle utilise principalement le travail d’artistes de la région métropolitaine et, comme toujours, Beck a porté une attention particulière à la diversité de toutes sortes, y compris l’esthétique.

Bien que les méthodes et les matériaux traditionnels de l’art du textile et de la fibre soient présents partout, ils sont combinés avec un certain nombre de matériaux non traditionnels, ou composés presque entièrement d’entre eux, comme dans le cas de « Sigh », la sculpture en forme de panier de Sally C. Garner de 2021 tissée à partir de tubes respiratoires médicaux.

Garner utilise le tissage de différentes manières non conventionnelles. Dans « Altered Timelines No. 4, Jade » (2022), elle lie des cure-dents en bambou ensemble dans un textile flexible basé sur l’idée de détacher les rayons d’un panier. « Droplet in Time » (2022) utilise des bandes tissées à partir d’impressions cyanotypes.

Ali O’Leary intègre également la photographie dans les médias artisanaux, car elle superpose des broderies de coton sur des photographies en satin matelassé. Les résultats de cette méthode sont des œuvres d’art magnifiques mais chargées de théorie. Un exemple est « Presence » (2021), dans lequel le mot dans le titre apparaît et disparaît sous une image de l’océan et du ciel, un effet lenticulaire qui dépend de l’angle sous lequel vous le regardez.

Crédit : Avec l’aimable autorisation de Susan Lenz

Crédit : Avec l’aimable autorisation de Susan Lenz

Ces processus imprévus sont des subversions assez simples des textiles habituels par rapport à d’autres contributions telles que la couture à la main de Susan Lenz sur des fragments de courtepointe vintage qui attache toutes sortes d’objets quotidiens tout aussi vintage dans des mandalas en cercle concentrique. Les taxis jouets, les couvercles de shaker à épices et les adaptateurs de disques 45 tours par minute ne représentent qu’une infime fraction de la variété d’objets incorporés dans ces recherches sur l’histoire et la mémoire.

Dans ses combinaisons surprenantes de texture et de couleur dans les pièces murales, Gabrielle Torres utilise des tissus arrachés à des jeans, des bouteilles en verre et des cheveux synthétiques, mais ajoute des plantes vivantes telles que le lierre anglais; Il sera maintenu en vie tout au long de l’exposition au fur et à mesure que les parties se fanent ou s’affaissent.

Crédit : Avec l’aimable autorisation de Gabrielle Torres

Crédit : Avec l’aimable autorisation de Gabrielle Torres

Comme pour tous les autres arts de cette exposition, l’effet est à la fois esthétiquement attrayant et intrigant sur le plan conceptuel et pratique – qu’est-ce qui entre dans de telles transformations inattendues des processus traditionnels? La curiosité pour cette question est probablement un point à retenir de l’exposition pour le public peu familier avec les pratiques de l’art textile contemporain.

Crédit : Avec l’aimable autorisation de Sonya Yong James

Crédit : Avec l’aimable autorisation de Sonya Yong James

Dans le contexte désorientant de cette exposition, même le confort relatif des impressions par sublimation de Rose M. Barron sur des bannières en soie, représentant des femmes portant des robes coulantes immergées dans l’eau courante, peut sembler déconcertant. Il en va de même pour « Spirit Is a Bone » (2020) de Sonya Yong James, qui remplit les murs de Sonya Yong James, qui tisse ensemble des draps vintage filés à la main et des dents de coyote, des os de corbeau et des cendres de chien pour créer une méditation convaincante sur l’histoire et la mortalité.

Le traumatisme apparaît comme un sous-thème constant, souvent de manière inattendue, comme dans les combinaisons de Nicole Benner crochetées à partir de fil de cuivre, un inconfort littéral symbolique d’une vie vécue dans une douleur physique chronique.

Certaines des sculptures de Jess Self en laine feutrée à l’aiguille sont posées dans des positions reflétant la réponse aux traumatismes passés, mais « Wholeness » (2021) a une variété de textiles de couleur crème couvrant une version en fil de fer de son corps, avec un tas de tissu lâche à ses pieds, symbolisant le processus d’atteinte de la plénitude que Carl Jung voyait comme l’unification du conscient et de l’inconscient.

Hannah Ehrlich aborde la conscience et les ténèbres intérieures par une méthode très différente. Ses tentures murales désormais familières poursuivent leur exploration du chaos et de l’ordre dans la vie émotionnelle dans des pièces telles que « ecchymoses de vous connaître, j’ai appris à savoir qu’elles sont belles ».

Tous les thèmes de l’exposition que sont l’histoire, la mémoire personnelle, le traumatisme et la transformation trouvent leur place dans le travail des artistes afro-américains, mais leur esthétique personnelle reste la préoccupation majeure.

La combinaison de filets tissés/noués, de tissage de cheveux, de perles de cheveux, de drapeaux fanions et d’une douzaine d’autres matériaux dans « Blue Magic » (2022) de Zipporah Camille Thompson évoque plutôt qu’illustre littéralement.

Il en va de même, mais d’une manière complètement différente, pour les compositions en bois réutilisées par Ato Ribeiro dans un style signature dont certains se souviennent peut-être de l’exposition de groupe à succès de la galerie Johnson Lowe « The Alchemists ».

L’utilisation par Jamele Wright Sr. de l’argile rouge et du tissu ciré hollandais est également familière des expositions récentes, mais est subtilement étendue dans la série « Family Portraits ».

Crédit : Avec l’aimable autorisation de Richard-Jonathan Nelson

Crédit : Avec l’aimable autorisation de Richard-Jonathan Nelson

Leurs approches métaphoriques variées contrastent nettement avec les médias traditionnels et les sujets radicaux de l’imagerie afrofuturiste manipulée numériquement de Richard-Jonathan Nelson, une approche de la culture noire queer à travers le tissu jacquard. Le titre d’une œuvre de 2023 résume succinctement la situation : « Allez sortir de la portée de l’insolite ».

Parallèlement à ses questions culturelles qui repoussent les limites, « Entwined » reste consacré à la beauté, mais parfois à une beauté difficile.

Les cadres en grès de Kathryn Somers tissés avec diverses fibres et embellissements métalliques sont de purs tours de force dans lesquels la texture et la couleur se suffisent en elles-mêmes dans leurs combinaisons innovantes.

Dans un sens presque opposé, les carrés de broderie florale et textuelle de Kate Burke en fil suspendu à des chevilles s’inscrivent d’abord comme des expériences sensorielles. Les préoccupations éloquentes de Burke concernant l’insuffisance de la technologie pour contenir et communiquer les émotions de chagrin et de perte sont subordonnées au plaisir visuel immédiat des objets eux-mêmes.

Bien qu’il soit souvent tellement immergé dans les idées que le texte mural est essentiel, « Entwined » est une joie à voir ainsi qu’un défi intellectuel à contempler.

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Les critiques et les essais du Dr Jerry Cullum ont été publiés dans le magazine Art Papers, Raw Vision, Art in America, ARTnews, International Journal of African-American Art et de nombreuses autres revues populaires et savantes. En 2020, il a reçu le prix Rabkin pour sa contribution exceptionnelle au journalisme artistique.

Crédit : ArtsATL

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