Un café parisien ensoleillé dans un 19ème

Oct 19, 2023

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Bulletin

Le plus : des bijoux inspirés du café, une exposition de céramiques naturelles et d’autres recommandations de T Magazine.

Manger ici

Par Zoey Poll

Ce printemps, le musée Bourdelle récemment rénové dans le quartier Montparnasse à Paris a ouvert un nouveau café-restaurant lumineux, Le Rhodia, du nom de la fille du sculpteur français Antoine Bourdelle. La salle à manger jaune jonquille occupe le deuxième étage d’un atelier d’artiste du 19ème siècle où Rhodia Bourdelle et son mari, l’architecte d’intérieur Art Déco Michel Dufet, ont vécu. « Nous voulions que l’on ait l’impression d’entrer dans l’appartement de quelqu’un », explique Marc-Antoine Servella, cofondateur du studio d’architecture parisien SAME, qui a supervisé la conception du café. Il a fourni au Rhodia un mélange de trouvailles de marché aux puces du milieu du siècle et de pièces personnalisées commandées à des artisans français dans des matériaux allant du travertin au chêne, tout en préservant quelques détails originaux comme un poêle à bois et une grande fenêtre oculus (conçue par Dufet dans l’esprit du décor de la cabine de paquebot pour lequel il était le plus connu). Les visiteurs du musée peuvent également dîner à l’extérieur sur la terrasse en mezzanine à côté d’une colonnade de bustes en bronze vigilants. Le menu propose une cuisine rafraîchissante, avec des références culinaires à la ville natale de Bourdelle dans le sud-ouest de la France et une influence latino-américaine – un hommage, dit le chef français Jean-René Chassignol, aux dizaines d’étudiants du Pérou, du Chili et d’Argentine qui ont fait leur apprentissage avec Bourdelle dans ces ateliers. Les plats, qui penchent du côté plus léger, comprennent une purée de haricots noirs avec des betteraves marinées et des noix de maïs, et des empanadas de légumes de saison. Des pâtisseries, comme la brioche Rhodia à la crème de fleur d’oranger ou la Madeleine d’Antoine infusée au miel et au thym, sont servies toute la journée. instagram.com/lerhodia_bourdelle/.

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Par Adriane Quinlan

Lorsque l’artiste Juan Pablo Echeverri est décédé à l’âge de 43 ans l’année dernière, il a laissé derrière lui plus de 8 000 autoportraits pris dans des photomatons de passeport à travers le monde. Ce qui avait commencé comme un journal de coiffures et de piercings est devenu un projet d’art conceptuel à mesure qu’Echeverri évoluait en tant qu’artiste. Cet été, une grille assemblée à partir d’environ 400 de ces photos sera accrochée à la James Fuentes Gallery de Manhattan; un autre a été présenté à Between Bridges, l’organisation à but non lucratif à Berlin dirigée par l’ancien employeur d’Echeverri, le photographe Wolfgang Tillmans, qui a aidé à organiser les deux expositions.

La mort soudaine d’Echeverri du paludisme est survenue juste au moment où sa carrière prenait de l’ampleur, avec une exposition à León, au Mexique, et un travail dans la collection de l’ancien président de sa Colombie natale. Mais ce serait une erreur de voir les portraits comme un sombre memento mori. « Je ne veux pas surcharger le travail », dit Tillmans, qui préfère le voir comme Echeverri était : rusé, cérébral et autodérision. Le titre de la série de passeports, « Miss Fotojapón », associe une blague sur l’échec passé de la Colombie à remporter le concours de Miss Univers avec le nom d’une chaîne de traitement de photos. L’exposition à New York comprend également « Identidad Payasa » (2017), une série de doubles portraits où l’artiste partageait l’objectif avec des clowns de rue à Mexico. D’abord, Echeverri prenait leurs photos en costume complet, puis demandait aux clowns de recréer le regard sur lui, une façon d’incarner leur position. Tillmans dit que les photos montrent à quel point Echeverri a sympathisé avec les clowns – ils étaient tous les deux des artistes, faisant une performance visuelle et portant des masques. « Doivent-ils être pris au sérieux? De toute évidence, on se moque d’eux. C’est profond, mais il l’a joué léger », dit-il. « Identidad Perdida » est visible du 7 juin au 29 juillet jamesfuentes.com.

Reste ici

Par Michaela Trimble

Le groupe hôtelier texan Bunkhouse – connu pour ses propriétés intimes et axées sur la communauté comme l’hôtel Saint Cecilia et l’hôtel San José à Austin – s’est récemment développé avec des ouvertures à Salado, au Texas; Louisville, Kentucky et, plus récemment, Mexico. L’hôtel San Fernando se trouve à Condesa, le quartier connu pour son architecture Art Déco et ses vastes parcs bordés de jacarandas. Dix-neuf chambres occupent maintenant l’Edificio San Fernando, un immeuble des années 1940 dont les sols en carreaux de céramique jade et les vitraux ont été conservés dans une rénovation par Bunkhouse et le cabinet d’architecture Reurbano de Mexico. Des arcades de couleur prune bordent un hall vert sauge, d’où les clients montent une cage d’escalier en colimaçon pour atteindre les chambres. Le mobilier a été principalement fabriqué au Mexique, y compris des meubles en contreplaqué du studio de design La Metropolitana, des lampes rouges avec des abat-jours en verre opaque soufflé à la main par le studio Oaxifornia d’Oaxaca et des œuvres d’artistes locaux tels que Pedro Friedeberg et Ricardo Guevara. Vous pourrez prendre vos repas sur le toit, avec des pâtisseries comme des conchas à la vanille pour le petit-déjeuner et de petites assiettes, notamment des tostadas et de l’aguachile à partir de midi. L’hôtel San Fernando ouvre ses portes le 1er juin; chambres à partir de 215 $, bunkhousehotels.com.

Covet This

Par Becky Malinsky

Les designers de Cartier ont l’habitude de créer des bijoux précieux à partir d’objets du quotidien. La collection Juste Un Clou transforme un clou de construction en poignets et colliers en croûte de diamants, tandis que le Cactus de Cartier, un ensemble de dômes hérissés, imagine la plante du désert comme une bague de cocktail. La collection Grain de Café poursuit cette tendance en s’inspirant des grains de café pour les bracelets, boucles d’oreilles, bagues, colliers et broches. Créés par la directrice de longue date de la maison, Jeanne Toussaint, les charmes sur le thème de Java sont apparus pour la première fois dans les conceptions de la maison en 1938. Le prince Rainier III a offert à Grace Kelly un ensemble de café pour leur mariage de 1956, et son collier, parsemé de petits pendentifs en haricots en or, a servi de référence pour les nouveaux modèles. En juin, la société introduit six nouvelles pièces à la collection, d’une chaîne de style corde enfilée de cinq haricots en grappes à une bague bicolore sertie de haricots pendants à pois de diamants. Ils sont tous conçus pour bouger légèrement, émettant un jingle énergisant. À partir de 7 250 $, cartier.com.

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Par Katherine McGrath

La céramiste française Ludmilla Balkis a d’abord commencé à façonner l’argile en pots, bouteilles et bols jetés comme un moyen de laisser aller son ancienne vie dans la mode - inspirée par le travail délicat de la sculptrice britannique Lucie Rie, elle voulait trouver un rythme créatif naturel libre de la directive de produire selon un calendrier fixe. Balkis avait suivi une formation de créateur de mode et travaillé sous la direction de Phoebe Philo chez Céline à Londres; Elle a commencé à faire de la céramique en 2015. Ses structures minces comme du papier, sculptées dans l’argile brun rougeâtre qu’elle recueille sur le bord de mer français et se mélangent au sable pour obtenir une texture plus rugueuse, défient l’attraction de la gravité, menaçant de s’effondrer. Les objets qu’elle trouve lors de longues promenades dans la nature au Pays basque français, où elle tient un atelier, sont souvent incorporés dans les pièces. Dans sa dernière exposition, « Stasis », à voir à partir de la semaine prochaine à la Roman and Williams’s Guild Gallery à New York, un bassin en grès sablé blanc est imprimé de brindilles, tandis qu’un trio de récipients en forme de lanterne ont des bords bruts mouchetés de cendre de bois sèche. « D’une certaine manière, les mouvements et les techniques [entre la céramique et la mode] sont similaires », explique Balkis. « Le drapage de tissu autour d’un mannequin consiste à tirer et épingler du matériau pour créer un design tridimensionnel. En céramique, je répète intuitivement ce processus – je crée autour de l’espace vide, mais je travaille dessus comme s’il s’agissait d’un corps imaginaire. » « Stasis » sera à l’affiche du 9 juin au 15 juillet rwguildgalleryny.com.

Portez ceci

Par Monica Mendal

La créatrice de mariage Danielle Frankel Hirsch a déjà conçu des collections de bijoux en perles pour accompagner les hauts en soie à col rond et les robes en tulle qu’elle crée pour sa marque, Danielle Frankel. Mais dans le cadre de sa mission de changer les traditions du mariage dans de nouvelles directions, Frankel Hirsch a choisi un médium moins attendu pour ses derniers accessoires. « J’ai commencé par me poser la question 'Si nous pouvions jeter des fleurs [dans de l’argile], à quoi cela ressemblerait-il ?' », dit-elle. Elle a commencé à chercher des références et a trouvé des images de fleurs fanées qui étaient à l’origine imprimées sur des cartes de cigarettes et avaient été numérisées dans le cadre de la collection George Arents à la New York Public Library. Puis elle a découvert un artisan basé en Ukraine dont la spécialité est la création de sculptures florales réalistes, en utilisant de l’argile moulée sur un cadre métallique. Frankel Hirsch vend maintenant une gamme de fleurs, y compris des boucles d’oreilles à l’anémone lavande et au magnolia rose, ainsi que des broches de lys et de roses. Elle s’attend à ce que les mariées apprécient que chaque design soit légèrement différent des autres et, contrairement à un bouquet, ils peuvent être conservés pour toujours. À partir de 1 250 $, daniellefrankelstudio.com.

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