Les jeunes artistes suivent un chemin qui s'éloigne de la peinture vers la fibre

Dec 27, 2023

L’artiste sud-africain Igshaan Adams a suivi une formation de peintre à la Ruth Prowse School of Art du Cap. Au milieu de difficultés financières au milieu de ses 20 ans, il a décidé d’arrêter d’acheter des peintures à l’huile coûteuses. Au lieu de cela, avec la permission de ses grands-parents, il a découpé des vêtements et d’autres tissus de leur maison et les a cousus ensemble pour créer une image figurative. Peu de temps après, en 2010, il a obtenu un emploi d’enseignant de peinture et de composition aux artisans tisseurs dans une ONG appelée Philani Maternal, Child Health and Nutrition Trust. Il connaissait quelques bases du tissage avant d’accepter le travail, mais l’expérience a déclenché un lien « incarné » avec le métier. « J’ai réalisé à ce moment-là que je n’avais jamais aimé peindre », a-t-il déclaré lors d’un appel Zoom depuis son atelier au Zeitz Museum of Contemporary Art Africa au Cap. « Je n’ai jamais été aussi fortement connecté au médium. »

Après avoir formé ces artisans, Adams a commencé à travailler comme il le fait encore aujourd’hui, démêlant des tapis de prière islamiques et les tissant méticuleusement avec des perles qui évoquent le zikr ou le brin Tasbih que les musulmans utilisent pour la prière. C’est « un geste symbolique », a-t-il dit, une façon de créer sa propre place au sein de l’islam en tant que musulman queer métis, et de considérer « les aspects de mon identité qui étaient en conflit les uns avec les autres ». Aujourd’hui, Adams emploie une équipe de 16 personnes, y compris ses anciens étudiants en peinture et leurs proches, ainsi que les membres de sa propre famille, pour l’aider à terminer des tapisseries tentaculaires qui ont l’échelle et la puissance murale des peintures. Plusieurs œuvres incorporent des sols en linoléum usés arrachés aux maisons d’amis et de voisins, un matériau de construction associé aux maisons ouvrières. Son exposition solo de 2022 à l’Art Institute of Chicago, « Desire Lines », comprenait le Langa (2021) de 10 pieds de long, aux tons de terre, fabriqué à partir de bois, de plastique, de verre, de pierre, de corde de nylon, de fil et de coton. Le X beige en son centre est basé sur une image aérienne Google Maps des sentiers sillonnés dans le pays entre la communauté du Cap de Bonteheuwel, où Adams a grandi – désigné pour les personnes « de couleur » à l’époque de l’apartheid – et Langa, une banlieue noire adjacente.

Récemment, de nombreux artistes en début de carrière formés aux beaux-arts ont suivi un chemin similaire à celui d’Adams, se détournant de la peinture – avec le bagage historique de l’art et les limites qui l’accompagnent – et se tournant vers la fibre. Ils utilisent les matériaux de l’artisanat d’une manière qui ressemble beaucoup à la peinture. Mais ces artistes prennent le matériel comme une invitation à centrer les histoires personnelles et sociales, souvent à partir de perspectives historiquement marginalisées. Natalia Nakazawa, basée dans le Queens, New York, artiste d’origine japonaise et uruguayenne, a d’abord suivi une formation de peintre figuratif à la Rhode Island School of Design (RISD). Dans les critiques et les visites d’atelier, elle a vécu ce qu’elle a appelé des conversations « terrifiantes », truffées de symbolisme exotisant, sur les corps féminins bruns dans ses peintures. Après avoir exposé des œuvres figuratives au Queens International en 2006, elle « a fermé ... ce chapitre. Aujourd’hui, elle utilise les textiles pour aborder le patrimoine culturel, la diaspora, la circulation numérique et le pouvoir institutionnel. « L’une des raisons pour lesquelles je me suis tournée vers le textile était d’échapper aux conversations obsessionnelles sur les particularités du corps », a-t-elle déclaré lors d’une visite à son studio de Long Island City, dans l’État de New York. « Je voulais parler d’ascendance, d’histoire, de passé, de présent, d’avenir. Je voulais parler de la mondialisation et des marchés, de la façon dont les images sont traduites d’un média à l’autre et vendues. » Un textile récent, Demons and Protectors: Say their names #GuiYingMa #ChristinaYunaLee #MichelleAlyssaGo (2022), présente des images de trois femmes américaines d’origine asiatique assassinées à New York pendant la pandémie, ainsi que des images de bêtes et de mains sculpturales fragmentées. Il y a une « qualité fragile à ce que nous pouvons honorer et protéger les membres de notre propre communauté », a déclaré Nakazaka.

Née au Brésil, l’artiste Lila de Magalhaes, basée à Los Angeles, a d’abord étudié la peinture, mais s’est tournée vers la broderie après avoir été initiée à la technique alors qu’elle travaillait comme assistante dans un atelier de peintre. Après avoir obtenu son diplôme de la Glasgow School of Art et de l’Université de Californie du Sud (où elle s’est concentrée sur l’art vidéo), elle a travaillé comme assistante de studio pour Ivan Morley et est tombée sur sa « machine à broder japonaise analogique branlante guidée à la main ». L’outil l’a ramenée à son enfance en faisant de l’artisanat en tant qu’élève de l’école Waldorf en Suisse, où elle a grandi. Elle fabrique maintenant des tapisseries qui, de loin, sont des sonneurs morts pour les peintures. Ce n’est que lorsque vous vous approchez suffisamment que vous pouvez voir que leur imagerie d’un autre monde est brodée sur des draps ou des soies teints et ornée de couches de pastel à la craie. Son vocabulaire visuel – chatons, vers, insectes, parties abstraites du corps et, souvent, une femme chevauchant nue à cheval – sonde l’inconscient. Jungienne autoproclamée, elle se réfère aux draps teints des friperies qu’elle brode comme « le lieu de l’inconscient et des rêves ».

Cette nouvelle génération d’artistes mélange librement fibres et peinture, abordant des préoccupations formelles et politiques dans des œuvres teintes, tissées, brodées et cousues plutôt que rendues à l’huile ou à l’acrylique. En effet, lors d’un voyage dans des galeries du centre-ville de New York l’hiver dernier, les tapisseries ont souvent dominé l’espace mural généralement accordé à la peinture. Une exposition intergénérationnelle à Kaufmann Repetto, « Re-Materialized: The Stuff That Matters », a été l’une des expositions remarquables. Des artistes de la génération Y travaillant dans la figuration, comme LJ Roberts, qui réalise des portraits brodés de personnes queer et trans; et Erin M. Riley, dont les tapisseries représentent souvent son propre corps tatoué, capturé dans des selfies iPhone, ont été incluses, ainsi que des vétérans comme Françoise Grossen, artiste de corde nouée âgée de 80 ans.

Le passage de la peinture au textile est une tendance qui couve depuis un certain temps. Le terrain a été jeté par une série d’expositions qui célébraient à la fois l’artisanat et la tendance à l’ornementation et à la décoration, qui ont longtemps été associés aux femmes et aux cultures non occidentales. Nakazawa a souligné des enquêtes récentes telles que « With Pleasure: Pattern and Decoration in American Art, 1972-1985 », qui a ouvert ses portes en 2019 au Museum of Contemporary Art de Los Angeles, comme influentes pour célébrer l’ornement dans l’art contemporain. Beaucoup de gens relèguent les femmes et les personnes de couleur dans un domaine décoratif », a-t-elle déclaré; Pour cette raison, elle considère le médium du textile comme un outil permettant aux personnes autrefois marginalisées de se réapproprier la pleine humanité.

Parmi les autres expositions marquantes mettant en avant les textiles et l’artisanat, citons « Fiber: Sculpture 1960–present » (2014) à l’ICA Boston; « Outliers and American Vanguard Art » (2018) à la National Gallery of Art ; « Quilts and Color » (2014) au Museum of Fine Arts, Boston; et « Making Knowing: Craft in Art, 1950–2019 » (2019–22) au Whitney Museum of American Art. Bon nombre de ces expositions s’appuient sur l’héritage de l’histoire de l’art féministe en récupérant les contributions à l’innovation formelle créée dans des contextes domestiques, en célébrant les pratiques collectives et en nivelant la hiérarchie entre les beaux-arts et l’art populaire. Dans le processus, ils ont révélé comment le genre, la race et la classe sous-tendent les préjugés esthétiques.

Pendant deux décennies, de grandes expositions muséales ont recadré des œuvres en fibre en tant qu’art majuscule en montrant comment les évolutions formelles de la peinture se sont développées parallèlement – et même empruntées – aux motifs et aux compositions trouvés dans les textiles. Une pierre de touche est l’enquête novatrice « The Quilts of Gee’s Bend », qui a voyagé dans 11 musées entre 2002 et 2006. Les compositions géométriques inventives de l’exposition, fabriquées à partir de tissus abandonnés par une communauté de courtepointes noires en Alabama, ont été accueillies avec enthousiasme comme un style d’abstraction particulièrement américain. Comme Michael Kimmelman l’a vanté dans le New York Times, « Imaginez Matisse et Klee... provenant non pas de l’Europe raréfiée, mais du sol caramel du Sud rural sous la forme de femmes, descendants d’esclaves.

Une nouvelle génération d’œuvres d’artistes témoigne de l’influence durable des courtepointes Gee’s Bend. L’artiste de 32 ans Bhasha Chakrabarti, dont le travail a été inclus dans l’exposition collective « Fiber of My Being » l’été dernier à la galerie Hales à New York, a étudié les textiles en Inde et avec les courtepointes Gee’s Bend en Alabama; Ses portraits figuratifs mêlent techniques textiles et picturales. Toujours en 2022, Legacy Russell a organisé « The New Bend », une exposition de groupe à la galerie Hauser & Wirth qui a établi des liens entre les courtepointes de Gee’s Bend et 12 artistes montants, dont Tomashi Jackson, Eric N. Mack et Basil Kincaid. Russell a décrit les fabricants de Gee’s Bend comme des « artistes et des technologues », positionnant les jeunes artistes comme leurs héritiers explorant les nombreux liens entre les textiles et les outils numériques. Les chaînes et les trames de tissu, par exemple, fonctionnent comme une grille de pixels, tandis que leurs techniques de collage rappellent l’expérience décousue de la navigation sur Internet.

Le numérique joue un rôle important dans une grande partie du nouveau travail textile. Nakazawa transforme des images de collages numériques d’œuvres d’art, souvent réalisées par des fabricants non occidentaux, en textiles tissés jacquard fabriqués en Caroline du Nord sur du coton recyclé. Elle embellit ensuite le tissu avec des éléments cousus à la main comme des miroirs à chicha et des paillettes. « Jacquard est l’ordinateur original », a-t-elle déclaré, soulignant que les femmes dominaient la programmation informatique avant que le domaine ne devienne lucratif. L’imagerie numérique est également une source pour Pauline Shaw, basée à New York, qui a étudié la sculpture à RISD avant d’apprendre à se faire sentir à travers des tutoriels en ligne. Elle exploite maintenant les collections de musées en ligne, ainsi que son histoire personnelle, pour créer des œuvres textiles explorant la mémoire culturelle. Taïwanais américain de première génération, les tapisseries de Shaw retravaillent souvent des motifs trouvés dans les arts décoratifs d’Asie de l’Est. Taw (2022), fabriqué à partir de laine feutrée et de coton scriminé, présente des formes stylisées représentant un marbre, une pivoine, un chrysanthème – un emblème de la chance – ainsi qu’un coquelicot, symbolisant l’extraction et le commerce mondial. De petits objets en verre soufflé, ressemblant à de la flore, pendent du bord inférieur de la tapisserie. « En l’absence d’héritages, les histoires et les souvenirs familiaux sont devenus des contes populaires », a déclaré Shaw lors d’une visite d’une exposition de deux artistes à la galerie Chapter NY en février dernier.

Pour Shaw, la technique du feutrage – l’une des plus anciennes connues de l’humanité – évoque « les espaces de la maison, des soins et de l’éducation », ainsi que les textiles à grande échelle qui illustraient les mythes d’origine culturelle dans la Chine médiévale et dynastique. Pour Knight Knight (2022), elle a réinterprété une tapisserie chinoise de la fin du 16e au début du 17e siècle qui représente le monde à travers la terre, la mer et le ciel. Le panneau avec un phénix et des oiseaux dans un jardin de rocailles, des collections du Metropolitan Museum of Art, est à peine reconnaissable dans l’interprétation verticale inversée de Shaw, où des oiseaux stylisés entourent un centre rougeâtre, entourés de verticilles magmatiques de beiges, de bleus et d’oranges. Une tension similaire entre lisibilité et abstraction a animé l’œuvre de Shaw en 2021, The Tomb-Sweeper’s Mosquito, commandée par la salle new-yorkaise The Shed. Dans cette installation monumentale, une tapisserie feutrée de 24 pieds de long était suspendue au plafond par une armature métallique et des câbles, son poids étant contrebalancé par de multiples orbes en verre soufflé. Les délicats récipients en verre contenaient des objets basés sur des objets d’autel taoïstes et des signes du zodiaque chinois, tandis que le design abstrait du textile feutré, ressemblant à un enchevêtrement de branches, était basé sur une IRM du cerveau de l’artiste. « J’ai aimé le fait que cette grande œuvre, apparemment abstraite, contenait en fait beaucoup d’informations spécifiques », a-t-elle déclaré.

Ces artistes n’ont pas complètement abandonné la peinture; Au lieu de cela, ils le recombinent en un vocabulaire visuel élargi. Nakazawa fait toujours des peintures, mais généralement dans le cadre d’un travail plus large de techniques mixtes: sa pièce de 2019 History has failed us ... mais peu importe, comprend des tissus trouvés imprimés jacquard et des images collées du site d’internement japonais Camp Minidoka, où sa grand-mère et d’autres membres de la famille ont été détenus pendant la Seconde Guerre mondiale. Ici, les tissus trouvés témoignent de la diffusion numérique internationale des motifs et de la cannibalisation des cultures dans les textiles contemporains. Nakazawa a déclaré que ces motifs textiles contemporains, tels que les fleurs et les abstractions agréables, dérivent de traditions spécifiques des arts décoratifs. Aujourd’hui, cependant, ils sont partagés numériquement et réimprimés dans le monde entier, avec de légères modifications de couleur ou d’échelle. « Même les choses qui ont des significations culturelles plus profondes existent aussi dans un éther étrange de désir diasporique », a-t-elle déclaré.

Traditionnellement, l’art décoratif a été considéré comme moins précieux que la peinture. Pour ces artistes, cependant, les textiles, et l’artisanat en général, sont libérateurs. De Magalhaes a décrit son virage vers l’artisanat – elle travaille également la céramique, inspirée par le temps passé dans l’atelier de poterie de sa mère – comme un « désir de désapprendre » la façon « cérébrale lourde » de travailler qu’elle a étudiée à l’école d’art. Néanmoins, ses œuvres rêveuses évocatrices font souvent des comparaisons avec des pièces picturales. L’écrivain Gaby Cepeda a comparé l’imagerie de Magalhaes à des figures de l’Ancien Testament, tandis qu’Andrew Berardini a noté la relation de son travail avec le symbolisme d’Odilon Redon. Son propre objectif, a-t-elle dit, est de « trouver de la joie, du plaisir et du sens dans le chaos qu’est la condition humaine ».